Кабаре по Шекспиру, интерактивная «Восьмиклассница» и другие театральные премьеры сезона

Интерактивный эксперимент в театре Маяковского, ода музам Максима Горького в Театре Наций, новые прочтения классических произведений в Театре имени Пушкина: RUSSPASS Журнал рассказывает о первых премьерах 2026 года.

«Таня»

Театр Вахтангова, Симоновская сцена

Таня и Герман могут показаться идеальной парой только на первый взгляд. На самом деле это иллюзия, выстроенная в голове девушки, которая полностью растворилась в своем возлюбленном. Ради него она бросила мединститут, чтобы посвятить всю себя мужу. Даже мысли о ребенке ее пугают — настолько сильную любовь будет сложно разделить на двоих. Абсолютная преданность Тани душит Германа: он все больше отстраняется, погружается в инженерную работу, а вскоре увлекается своей коллегой, статной и амбициозной Шамановой. Чувствуя приближающийся крах отношений, Таня решает первая бросить мужа. После этого девушке придется пережить личную трагедию (намного серьезнее разбитого сердца) и пересобрать себя по кускам, прежде чем она сумеет посмотреть на свое прошлое и возможное будущее по-другому.

Режиссером спектакля выступил Сергей Потапов, прежде работавший преимущественно в Малом театре, а художественным руководителем — главный режиссер Театра Вахтангова Анатолий Шульев. Этот дуэт дал «Тане» сочетание академизма и сдержанности с символизмом и условностью. Примечательно, что этот дуализм «поделен» на два акта спектакля.

Все первое действие мы наблюдаем как будто глазами Тани, через дымку первой любви: отсюда и театральность, музыкальность, воздушность, ощущение постоянного миража. Главным образом этого акта становится Семен Семенович, вороненок, которого выхаживают Таня и Герман. Одновременно смешная и мудрая птица в исполнении Артема Пархоменко превращается в резонера спектакля: он не только тонко и живо реагирует на разлад в отношениях своих хозяев, но и отражает внутренние терзания главной героини.

Действие второго акта разворачивается в сибирском зимовье, куда отправляется Таня, после личной трагедии решившая все-таки отучиться на врача. Здесь на смену экспрессии приходит сдержанность, на смену условности — психологический реализм. Темп повествования становится более степенным: в условиях суровых морозов не место суете — каждое слово здесь имеет вес. Именно тут девушка начинает что-то понимать о своем предназначении и встречает людей, которые помогут ей найти свое место.

Ключом к пониманию «Тани» (причем как спектакля, так и самой героини) служит эпиграф к оригинальной пьесе, взятый из сонета Микеланджело Буонарроти: «Так я родился и явился сначала лишь скромной моделью себя самого для того, чтобы явиться снова более совершенным творением». В конечном счете это история о том, что пересобрать себя и найти счастье можно всегда, даже если кажется, что жизнь уже кончена.

«Макбет. Кабаре»

Театр имени Пушкина, филиал

«Макбет. Кабаре» — тот случай, когда название кажется эвфемизмом ровно до тех пор, пока вас не встретят в фойе сотрудники в красных перчатках. На сцене появляются дивы с пышными прическами, в сияющих платьях на тонких бретелях, но вместо музыкально-танцевального номера берутся с ходу исступленно диктовать заклинания ведьм, смутивших Макбета. Мрачная рифма при этом не только сохраняется, но и обретает новую жизнь — с минималистичными декорациями и концертными костюмами.

В центре сюжета — погруженный в сомнения подданный великого короля. Он мечтает о славе и величии, хочет забраться как можно выше, но совесть мешает ему. Ровно до тех пор, пока три ведьмы-соблазнительницы не предлагают ему путь злодея: кровавый, отчаянный, с необратимыми последствиями, но — с исполнением самых смелых его мечтаний. И, конечно, за левым плечом, как голос бесчестия и тщеславия, всегда стоит жена Макбета: она-то и сыграет главную роль в развернувшейся трагедии, подтолкнув к пропасти колеблющегося генерала.

Спектакль «Макбет. Кабаре» ставил Никита Пирожков благодаря поддержке «Открытой сцены» Департамента культуры города Москвы, специального конкурса грантов для молодых творцов. Можно сказать, что это дебют, но, кажется, загонять в рамки подобный спектакль бессмысленно. Надо идти, смотреть, реагировать: чуть больше часа на проработку темы предательства и жажды власти, алчности, которая, словно вирус, преследует человека из века в век. Не факт, что вам понравится постановка, но равнодушным точно не оставит. А это самое главное.

«Спешите делать добро»

«Современник», Другая сцена

Постановка Яны Сексте и Алексея Усольцева по мотивам пьесы Михаила Рощина «Спешите делать добро» исследует тиски, в которых оказывается добропорядочный гражданин Мякишев. С одной стороны — бесконечное количество людей, от чиновников до соседей, которые не имеют отношения к личной жизни главного героя. Эдакая насильная «забота» якобы неравнодушных людей, которые «хотят как лучше» и, что ужаснее, уверены, что знают, как лучше. С другой — семья, близкие люди, на которых так или иначе влияют все решения Мякишева. И, наконец, есть третья сторона: человеческое сознание, сборная солянка из воспитания, характера, совести, генетических и культурных слоев. Кто же окажется сильнее, кто «дожмет» бедного главу семьи до конкретного решения?

На самом деле ответа нет, потому что и главный герой — собирательный персонаж, который на каждом этапе жизни делает тот или иной выбор. Это так у всех людей, и спектакль «Спешите делать добро» показывает одну отдельную ситуацию, в которой человек сказал обстоятельствам «да» вместо «нет». А мы как зрители наблюдаем последствия поступка, чтобы в конце выйти из зала и тоже себе объяснить, а почему, собственно, Мякишев поступил именно так — и не зря ли? Кажется, это тот самый пример спектакля, когда размышления нагоняют еще какое-то время после просмотра, и хочется обсудить увиденное за семейным столом, подискутировать с друзьями и несколько раз со всех сторон обдумать тему выбора…

Есть и другой повод погрузиться в гамлетовские рассуждения Мякишева: декорации в виде панельного дома, где каждое окно — новая история, костюмы, медийные элементы, работа с цветом. Все в этом спектакле — словно сложенный до последнего кусочка пазл, ровный и красивый, с кучей мелких деталей, которые замечаешь в ходе развития истории. Мы видим Петербург, серые зимние улицы, серые многоэтажки за окном, серую мебель, серую одежду: практически ни одного яркого пятна, за исключением поступков персонажей, которые приобретают цвет в реакции зрителя.

«Капитанская дочка»

Театр Пушкина, Основная сцена

Толчком для этого мысленного путешествия служит казнь Емельяна Пугачёва: герой пытается понять, как этот бунтовщик и убийца парадоксальным образом стал одним из самых важных для него людей. Корни этого противоречия — в прошлом самого Гринёва. Мы наблюдаем становление юноши фрагментарно: на практически пустой сцене эпизод за эпизодом всплывают главные моменты его жизни. Причем иногда эти воспоминания, пронизанные нежностью по отношению к навсегда ушедшей юности, смешиваются с фантазиями героя (так, мы можем увидеть мечты Петруши о петербургском бале или подвигах капитана Миронова).

Лиризм спектакля поддерживает и специально придуманный для него персонаж — Терпсихора, муза танца и эпической поэзии. Это девушка в белом платье, испачканном то ли грязью, то ли кровью, декламирует пушкинские стихи, рифмующиеся с тем или иным эпизодом спектакля, — от злосчастной бури, познакомившей Гринёва с Пугачёвым, до его первой встречи с будущей женой. Терпсихора — носитель рока и хаоса в спектакле. Она знает обо всех невзгодах, которые придется пережить герою, но не в праве его предупредить: этот путь ему предстоит пройти самому.

Другие герои постановки, напротив, предельно человечны: их маленькие истории здесь ничуть не менее важны, чем историческая трагедия, на фоне которой они живут. Долинская «Капитанская дочка» пронизана любовью ко всем своим героям — от одновременно смешной и трогательной четы Мироновых до гувернера-ловеласа Бопре и даже скотного двора Белогорской крепости. Последний наряду с другими эпизодическими героями — крепостными девками, друзьями Зурина, толпой петербургских зевак — отыгрывает один и тот же ансамбль актеров.

Гуманизм как принцип — вообще главная особенность и спектакля, и оригинального романа. Здесь нет предубеждения ни к дворянам, ни к бунтовщикам (все они в первую очередь люди, волей судьбы разбросанные по разным баррикадам) — только сочувствие, эмпатия и отвращение к любого рода насилию.

«Восьмиклассница»

Театр имени Владимира Маяковского, Малая сцена

Спектакли форум-театра не раз ставили в Еврейском музее и Центре толерантности, центре «ЗИЛ» и других культурных пространствах, однако на сценах знаковых российских театров этот формат появляется не так часто. Тем ценнее, что именно его выбрали режиссеры Дмитрий Крестьянкин и Иван Куркин для разговора на важные и болезненные темы подростковых переживаний и сексуализированного насилия, думать о которых сложно, но безумно важно.

«Восьмиклассница» — это спектакль-конструктор, состоящий из двух частей, художественной и интерактивной. Первая посвящена истории подростка Наты, недавно сменившей школу. Простой ее жизнь не назовешь. Авторитарный отец пытается контролировать каждый шаг девочки: ранний комендантский час вместо прогулок с парнем Костей, волейбольная школа вместо художественной, куда Ната хочет поступать. На этом проблемы не заканчиваются: влиться в новый коллектив получается с трудом, а учитель физкультуры Кирсаныч начинает проявлять к Наташе нездоровый интерес. В какой-то момент его поведение переходят рамки допустимого. Слухи об этом разносятся по всей школе, ревнующий Костя бросает девушку, а отец отказывается принимать какие-то меры, считая, что дочка все выдумала, чтобы не ходить на волейбол.

Все это — спойлер лишь отчасти, во второй части спектакля зрителям выдастся возможность переиграть события первой и попытаться ответить на вопрос: как нужно было поступить, чтобы страшного не случилось? Где стоило сказать правду, а где — отстоять личные границы? Как по-другому выстроить отношения с отцом, парнем и одноклассниками? Интерактивную часть спектакля ведет модератор, которого по канонам форум-театра называют Трикстером. Можно просто предложить свой вариант поведения в одной из сцен, и актеры переиграют ее сами, а можно встать на место героини и выйти на сцену самому (вернее, самой). Кроме того, после каждого переигранного эпизода почти у всех актеров спектакля можно попросить обратную связь: как, по их мнению, изменится отношение героев к Нате в том или ином случае.

Девиз спектакля: «Формулы нет, но есть попытки». К сожалению, единой схемы при столкновении с насилием быть не может, но это не значит, что мы не должны стараться ее найти. Главное, не оставаться одним: всегда найдется человек, готовый вас выслушать и помочь. В рамках каждого из показов «Восьмиклассницы» проходит обсуждение с психологом; после спектакля с ним можно поговорить, если не захочется делать это в пространстве спектакля.

«Горький. Любовь»

Театр Наций, Малая сцена

Мы услышим четыре разные истории, рассказанные от первого лица. Возлюбленная в молодого начинающего писателя Ольга Каминская, его единственная жена Екатерина Пешкова, Мария Андреева, ведущая актриса МХТ, и баронесса Мария Закревская-Бенкендорф-Будберг — все они сыграли важную роль в жизни Горького. Впрочем, на их жизнь Алексей Максимович тоже изрядно повлиял. И каким бы его ни представляли разные источники, более достоверный портрет, чем из уст любимых женщин, мы вряд ли получим.

Каждая из женщин дополняет образ писателя, словно это мозаика, которая вначале выглядит как рассыпанный пазл, а к концу собирается цельная картина. Темнота на сцене будто перекликается с еще не проявившейся личностью Горького, но в финале он полностью выходит из тени, и мы, наконец, видим его целиком — с совершенно новой стороны.

Но также видим и красивых влиятельных леди, в черном и белом, с голосами прошлых эпох, с чемоданами писем, с непередаваемой страстью по неведомому человеку, с собственной картиной стремительно меняющегося мира. Это не только и не столько про Горького, сколько про страну и людей, которых мы не застали — и можем судить только «по рассказам современников».

«Наша цель даже не в том, чтоб снять знаменитого советского писателя с пьедестала, мы хотим посмотреть на него как на человека из плоти и крови. Про великого мужчину рассказывают его женщины, а ведь женщина всегда все лучше знает про своего мужчину. Это спектакль про Горького без Горького», — режиссер Филипп Гуревич о спектакле.

«Желтый карлик»

Театр на Трубной

Все неожиданно меняется, когда Коля влюбляется в Вику, продавщицу из соседнего магазина, которая старше него на десять лет. Мама юноши таким выбором недовольна, поэтому придумывает хитрый план по «спасению» сына: Владимир должен сам соблазнить возлюбленную сына и поставить крест на их отношениях. Разумеется, все идет не по плану: жизнь героев превращается в запутанный клубок из абсурда и расчета, любви и корысти, страха за будущее и не дающих покоя травм прошлого. А заодно начинает подозрительно напоминать сюжет бульварного чтива. Примерно такого, какое пишет сам Жаровский! «Желтый карлик» совмещает в себе сразу несколько комедийных жанров — от горькой сатиры до комедии положений.

Режиссер спектакля Дмитрий Астрахан знаком с этой историей не понаслышке. Изначально «Желтый карлик» был киносценарием, написанным Олегом Даниловым для одноименного фильма Астрахана с Александром Абдуловым в главной роли. Потом сам Данилов превратил эту историю в пьесу, которая, как считает Астрахан, своей актуальности не растеряла:

«Я возвращаюсь к ней (пьесе. — Прим. ред.), потому что чувствую: тогда сказал не все. Сегодня, с другими актерами и в театре, она может прозвучать острее. Это простая семейная история, но в ней мощный театральный нерв — размышление о том, на что мы готовы ради счастья наших детей», — режиссер о спектакле.

«Ближе»

Театр Ермоловой, Новая сцена

Это спектакль исключительно для взрослой аудитории — откровенный, местами пугающе честный и прямолинейный, а порой очень смешной в своей правдивости. Он нещадно препарирует облик современных отношений в попытке ответить на вопрос «Что такое любовь?». Это восторг и очарование, страсть и ревность, обладание и недоверие, боль и пустота — или все вместе? Близость может проявляться по-разному, и постановка предлагает ненадолго заглянуть в азбуку этой поразительной связи, способной менять людей.

Будет очень неуютно и дико любопытно, весело и заурядно между дурацкими ситуациями с разрядкой и чудовищным напряжением — «Ближе» ни на секунду не отпустит вашего внимания. На сцене темно, в наушниках одного из главных героев играет знакомая песня, пока вокруг стремительно меняется пространство: сцена совсем маленькая, сложные декорации не предусмотрены. Но это играет на руку и зрителю, и спектаклю: близость становится вынужденной, непосредственной, зал и сцена не отделены буквально ничем. Но зонирование сценического пространства настолько удачно, что нет ощущения «толпы» — даже когда все персонажи оказываются в одной комнате. Про музыку и работу звукорежиссера хочется сказать отдельно: так ладно и бесшовно произведены звуковые склейки, словно мы смотрим фильм, и нет никакой границы между кадрами, которую мы могли бы заметить, долго не моргая.

Но главное, это все-таки история четырех взрослых людей, которые отчаянно хотят чувствовать. В них без труда можно узнать кого-то из своих близких… А может, даже себя (но никто никому в этом никогда не признается). И потому в расстроенных чувствах туда надо идти, чтобы их окончательно разобрать и пересобрать. А в цельном состоянии идти ради того, чтобы напомнить себе о самом главном. Кто знает, к чему внутри себя позволит подобраться «Ближе»?

«Я зову вас „подглядеть в замочную скважину“ за людьми, которые просто хотят почувствовать, что они не одни в этом мире ошибаются, не одни чувствуют себя несчастливыми, что они вообще — не одни. Этим спектаклем мы хотим стать ближе», — режиссер Анастасия Альмухаметова о спектакле.

Лекция-кабаре «Курил ли Пушкин?»

Театр Маяковского, фойе бельэтажа Основной сцены

Импровизированный зал напротив огромных окон, выходящих прямиком на Большую Никитскую: исторический центр сам служит декорацией для воспоминания-рассуждения о великом поэте. По звонкому паркету вереницей проходят образы золотого века, стихи смешиваются с частушками, а то и вовсе звучат на китайском языке: вас ждет праздник жизни, основанный на всеобщей любви к Александру Сергеевичу.

В основу необычного спектакля легла научная статья пушкиниста Николая Лернера, написанная около ста лет назад: казалось бы, неважный совершенно факт, а столько шума поднял в академических кругах. Самому поэту наверняка бы понравился ажиотаж вокруг его персоны: и лекцию-кабаре «Курил ли Пушкин?» можно назвать в некотором роде исследованием разных особенностей личности писателя.

Вас ждут шоу-номера, юмористические зарисовки, неожиданные факты из биографии поэта, стихи Пушкина, положенные на современные мелодии (даже «Короля и Шута» вы услышите в фойе Основной сцены), и невероятно артистичные выступления молодых актеров театра. Уникальное мероприятие — буквально не с чем сравнить: и весело, и познавательно, и похоже на музыкальный концерт.

«День закрытых дверей»

Театр Наций, Новое пространство

Постановка соединяет в один цельный рассказ истории пяти девчонок из Томской воспитательной колонии № 2 и четверых парней из Архангельской воспитательной колонии. Каждое из откровений сопровождается номером статьи УК РФ, честным признанием в совершенных деяниях, а еще искренней надеждой на новую жизнь, на будущее с работой, семьей и без преступлений. Связкой между историями героев служат великолепные музыкальные номера с неожиданными аранжировками — выступления, которые подростки готовят в творческих кружках.

Порой хочется опустить глаза и погрузиться в свои мысли — как если можно будет позже пересмотреть. Но это не кино на экране, повторить будет сложно, а значит, придется смотреть, смотреть внимательно, чувствовать по-настоящему. Однако и юмору находится место в маленьких тюремных помещениях, и светлым чувствам, и удивительной внутренней силе, которая только растет с каждым днем. И нет гнетущего чувства после финала: жизнь продолжается для каждого из героев спектакля — и они выбирают свой лучший путь день за днем.

Эта постановка исключительна по двум причинам. Ее создавал Дмитрий Крестьянкин, уже приложивший руку к «Восьмикласснице», о которой мы писали выше. Кроме того, «День закрытых дверей» — редкий для наших подборок формат: социально-художественный эксперимент, выросший в документальный спектакль. Работы Дмитрия больше знакомы петербуржцам, в Москве его сложно застать. Итак, получается, что мы можем сразу в одном сезоне познакомиться с очень разными проектами одного режиссера и сформировать некое представление о его творчестве.

«Меня очень интересует тема свободы. Поэтому захотелось поговорить о ней с подростками, которые в силу возраста максимально ее ценят и буквально требуют. И сделать это я решил в местах, где свободы они максимально лишены. Мне кажется, что должен получиться честный разговор о свободе, ответственности, ошибках, покаянии, любви и надежде», — режиссер Дмитрий Крестьянкин о спектакле.

«Корова»

Театр на Таганке, сцена на Факельном

Фото: Театр на Трубной; Театр Вахтангова; Театр имени Пушкина; «Современник»; Театр Маяковского; Театр Наций; Театр Ермоловой; Инесе Понелис.